La gordita más querida de la TV

Liliana Benard estrena “Cómo ser abuela y estar de novia al mismo tiempo”, de su autoría

Muchos la recordarán por sus trabajos en Papá Corazón (1973), donde encarnaba el personaje de la inolvidable Hermana Renata; en Andrea Celeste(1979), la primera telenovela en color emitida por ATC, donde hacía de Felipa, o en el ciclo Alta Comedia (1981), de Canal 9, junto a Guillermo Bredeston y Nora Cárpena. Fue una de las gorditas más queridas de la tele, con más de 48 telenovelas en su haber.

Con 48 años de trayectoria sobre las tablas, en 1993 comenzó su carrera como autora. Escribió el exitoso unitario Con pecado concebidas , que protagonizaron Nora Cárpena, Moria Casán y María Valenzuela y le valió un premio Martín Fierro. Luego siguieron otros unitarios, como Tres minas fieles (1994) o la telenovela Inconquistable corazón (1995), semillero de buenos actores, con Pablo Echarri, Pablo Rago y Paola Krum a la cabeza.Un poco más acá en el tiempo, fue una de las actrices de Escoria , con dirección de José María Muscari.

Cualquiera que pase los 30 y pico y se la tope por la calle la reconoce de la televisión. Y tal vez muchos se pregunten qué fue de su vida y por qué ese medio no la contó más entre sus elencos. Es que su carrera como guionista fue creciendo rápidamente y algunas ofertas de contratos en el exterior la obligaron a radicarse en los Estados Unidos por un largo tiempo. Allí ganó los premios ACE y Hola en Nueva York por Reflejos en el agua , de Alberto Borla. Se define como “una remadora” y confiesa que lo que más la apasiona de su profesión es “hacer reír”.

Durante mucho tiempo trabajó en las telenovelas y telecomedias de Abel Santa Cruz, esposo de su tía Elcira Olivera Garcés. Ellos fueron quienes, al ver su histrionismo, le hicieron cambiar su carrera de psicología por la pantalla y las tablas.

Justamente por estos días sube a escena con Cómo ser abuela y estar de novia al mismo tiempo , propuesta humorística de stand up de su propia cosecha que desde el 7 de enero se presenta en la sala John Lennon del Complejo La Plaza.

“La obra nació de una experiencia de una amiga que estaba aterrada frente a la situación de tener un novio y no saber cómo contarles a sus hijos porque era una mujer grande. Por supuesto que todos los amigos le decíamos que no tenía por qué hacerse problema, ya que si bien ella era una mujer grande estaba abierta al amor. La hija, que tiene mellizos, les trajo a sus hijos a la casa el día de la cita con su novio, y mi amiga se agarraba de los pelos porque no sabía qué hacer”, recuerda Benard (62), casada hace 40 años, con dos hijos y tres nietos, que por estos días reparte su tiempo entre su trabajo como actriz y escritora de la telecomedia mexicana Adorable farsante , que protagonizará Jaime Camil.

La historia de su amiga fue la inspiración que llevó a la actriz y dramaturga a escribir este unipersonal al que luego sumaría elementos y personajes ficcionales como Ramona Benítez, una mucama paraguaya que es prácticamente su hermana, con quien han compartido una vida juntas y que también la abandonará ese día para irse de parranda con el portero.

“Lo que pone de manifiesto Lili es que no importa la edad que vos tengas, para amar siempre se está dispuesto. Por lo general, se piensa que si pasaste los 60 no servís más que para ser abuela y cuidar de tu casa y de vos misma, si todavía podés, como si fueras un mueble dentro de la casa. Y en realidad uno no es ni un mueble ni tampoco Ava Gardner, pero puede vivir felizmente una historia de amor”, concluye Benard.

ALGUNOS DE SUS TRABAJOS

Liliana Benard

  • Trabajos en television: papa corazon, juana rebelde, andrea celeste, hola pelusa, papa y mama se quieren casar, el duende azul, picara pero honrada, alta comedia, asi en la villa como en el cielo, finita hay una sola (como protagonista), entre otros.
  • Trabajos en cine: tobi y el libro magico, papa corazon se quiere casar

 

PARA AGENDAR

Cómo ser abuela y estar de novia al mismo tiempo , de Liliana Bernard. Sábados, a las 22.Sala: John Lennon, Complejo La Plaza. Corrientes 1660. $ 70 .

Fuente: La Nación

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Para Santa Ana, “Todos felices” aborda un humor que coquetea con la violencia

La actriz Muriel Santa Ana, una de las protagonistas de “Todos felices”, la trilogía teatral dirigida por Oscar Martínez, advirtió que la clave de la puesta que comparte con Carola Reyna, Carlos Portaluppi, Peto Menahem, Silvina Bosco y Juan Minujín “es discurrir en un tipo de humor que coquetea constantemente con la violencia”.

“”El texto y el título son paradojales, porque el guión corre con tanta velocidad e inteligencia que el resultado final es una familia absolutamente infeliz, desesperada por aferrarse a cualquier alegría momentánea””, comentó Santa Ana en diálogo con Télam.

Impecablemente ambientada en los años 60, esta trilogía creada por Alan Ayckbourn en 1973, muestra el reencuentro de tres hermanos disfuncionales durante un fin de semana en la casa de su infancia, donde aún vive la menor, Ani (Santa Ana) junto a su madre enferma.

““Mi personaje es la más chica de otros dos hermanos insensibles y desapegados, es una persona que quedó atada a una casa al cuidado de su madre, en una situación muy tóxica para ella, así que le pide a su hermano mayor que la releve unos días para poder tomarse unas vacaciones””, explicó Santa Ana.

Así es como, acompañado por su perturbadísima y pacata esposa Sara (Reyna), Leo (Portaluppi) llega a la vieja casona para darle un respiro a la más pequeña de la familia.

Pero una situación inesperada, propia de la más absurda comedia de enredos, termina reuniendo bajo el mismo techo a su otra hermana Eva (Bosco), su esposo Daniel (Minujín) y a Charly (Menahem), un veterinario pusilánime que merodea a Ani constantemente.

Pero la situación eclosiona cuando sale a la luz que el acompañante de Ani para su fin de semana de relajo no sería Charly, como todos esperaban, sino su cuñado Daniel.

Con actuaciones y diálogos desopilantes que se suceden con un ritmo visiblemente televisivo, la particularidad de esta puesta estrenada en Broadway en 2009 es que con el formato de “trilogía”, se inaugura un subgénero dentro de la comedia tal y como estamos habituados a verla.

“Living”, “Comedor” o “Jardín”, no sólo son tres funciones y tres espacios distintos de la casa, sino también son tres maneras que tienen los espectadores de espiar un mismo fin de semana de esta caótica familia.

Y si bien cada versión resulta complementaria pero independiente del resto (es decir, es una obra en sí misma y basta con ver solamente una para comprenderla), cada habitación promete una mirada más panorámica y disparatada que la anterior.

““Lo interesante acá son los datos que va sumando el público, porque en una obra tradicional lo presente siempre invoca lo ausente, lo que no se ve en la escena, y acá la obra te va dando todos los elementos de a poco””, explicó quien supo ponerse en la piel de Lucía en la estupenda tira “Ciega a citas” que se emitió a través de Canal 7.

Por eso, consultada sobre la complejidad de encarar tres obras en una sola, la actriz que participo en “El hombre de mi vida” junto a Guillermo Francella por Telefé, afirmó que ““la dificultad es más bien técnica o administrativa, con mucha demanda de ensayos y textos””.

“”Pero de a poco fuimos armando la red -agregó-, el mapa de cada uno para entender la circunstancia previa a cada escena y jugamos todo el tiempo con eso””.

En ese contexto, su personaje aparece como un volcán en erupción. Una mujer resentida, poco agraciada, sin criterios sobre cuidados femeninos y estéticos que se encuentra en la flor de la edad con su vida destinada a cuidar a su madre.

““Ani es la única de las tres que no miente, que no tiene maldad pero es de mecha corta, por eso pasa de la inocencia más absoluta y ese candor total a gritar como una psicótica””, completó la actriz que descolló como la urticante Grace en la ficción “LaLola”.

Y como cualquier foco que iluminara su oscuro presente sería el móvil para sacarla de su inanimado presente, las edulcoradas palabras del marido de su hermana Eva fueron suficientes para que Ani buscara la felicidad sin medir las consecuencias.

““Es que él (por Daniel) es el único conectado con su propio deseo; no tiene moral porque su objetivo es hacer felices a los demás diciéndole a cada uno lo que quiere escuchar. Esa es la felicidad tan relativa que le va llegando a todos en la obra; de ahí viene el título””, remató Santa Ana.

“Todos Felices” se presenta en la sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza (Corrientes 1600, Capital) los miércoles y primera función del sábado “Comedor”, los jueves y segunda función del sábado “Living” y los viernes y domingo “Jardín”.

Fuente: Télam

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La verdadera historia de Madame Ivonne

Amor de Tango, una obra de Marisé Monteiro y Manuel González Gil, con Guillermo Fernández, Alicia Vignola, Luis Longhi y Federico Mizrahi.

La mujer es por excelencia, la musa inspiradora del tango rioplatense. Ella está presente en muchos títulos y letras de este género musical. Algunas de ellas fueron personajes reales y otras solo producto de la imaginación delos poetas.

Entre estas heroínas es posible encontrar un cierto tipo de mujer que se repite en el tiempo y que condensa tanto a la madre como a la mujer que se ha entregado a la “mala vida” ya sea, escapando de la pobreza o por causa de un desengaño amoroso.

Los compositores de la primera mitad del siglo XX, influenciados por la cultura europea y en especial la francesa, incluyeron junto a las musas locales como Malena, María, Milonguita y Margot, otras de la noche parisina como Mimí, Ninón, Manón, Griseta, la rubia  Mireya y Madame Ivonne. Todas sin excepción son biografías y anécdotas dudosas, a punto tal que nunca nadie ha podido asegurar si existieron o no alguna vez, pero su fama ha trascendido los límites de la realidad para convertirlas en auténticos mitos populares.

Un Amor de Tango es una comedia musical que ensamblando los fragmentos delos más famosos tangos de todos los tiempos cuenta con ingenio y humor la  historia de esa francesita del Barrio Latino que animaba la fiesta de Les Quatre Arts y  siguiendo a un argentino que la hacía suspirar  abandona todo y se va  tras él a Buenos Aires, de donde no podrá regresar jamás.

En torno a su triste historia, siempre estará la ciudad como único paisaje y su música como testigo silencioso de su destino.

Adaptación teatral de uno de los célebres tangos e Enrique Cadícamo; Madame Ivonne Tango (1933)

Funciones: jueves y domingos , 20hs

C.C.BORGES, Viamonte esquina San Martín.

Reservas: 5555 5359,  Platenet 5236 3000

Entradas desde 80 pesos.

Mademoiselle Ivonne era una pebeta que en el barrio posta de viejo Montmartre, con su pinta brava de alegre griseta animó la fiesta de Les Quatre Arts.

Era la papusa del barrio latino que supo a los puntos del verso inspirar… Pero fue queun día llego un argentino y a la francesita la hizo suspirar.

Madame Ivonne, la Cruz del Sur fue como el signo, Madame Ivonne, fue como el signo de tu suerte…Alondra gris, tu dolor me conmueve, tu pena es denieve… Madame Ivonne…

Han pasado diez años que zarpó de Francia, Mademoiselle Ivonne hoy solo es Madam… La que va a ver que todo quedó en la distancia con ojos muy tristes bebe su champán. Ya no es la papusa del Barrio Latino, ya no es la mistonga florcita delis, ya nada le queda… Ni aquel argentino que entre tango y mate la alzó de París.

Letra: Enrique Cadícamo

Música Eduardo Pereyra

Fragmentos del tangos ensamblados en la obra:

Madame Ivonne (E. Cadícamo y E. Gregorio) – Mama yo quiero un Novio (R. Collazo y R. Fontaina) El Porteñito (A.Villoldo)  – Mano cruel (C. Mutarelli y A. Tagini) – Clavel del Aire (J. Filiberto y F. Silva Valdés) – Siga el corso (A. Aieta y F. García Jiménez) – Muñeca brava (L. Visca y E. Cadícamo) – ¡Che papusa oí! (G.Matos Rodríguez y E. Cadícamo) – Rosa de otoño (J. Rial (h) y G. Barbieri)- El motivo (J. C Cobián y  P. Contursi) Griseta (E. Delfino y J. González Castillo) – Flor del valle (G. Barbieri) – Tomo y obligo ( C. Gardel y Lepera) – Buenos Aires (Manuel Romero) -– Anclao en Paris (E. Cadicamo y G. Barbieri ) – Martirio (E. Discépolo) -  Lejana tierra mía (C. Gardel)- Que buena fe (Eladia Blázquez)- Sus ojos se cerraron (C. Gardel y Lepera)–  Desencuentro (Troilo y C. Castillo) – Mi Buenos Aires querido (C. Gardel- Lepera ) – Mañana zarpa un barco (Demare y Manzi) – Siga el Baile (A. Castillo) – Nieblas del Riachuelo (E. Cadicamo y Cobián) – Volver (C. Gardel) – Siempre se vuelve a Buenos Aires ( y E. Blázquez)- La ultima copa  (F. Canaro.) La canción de Buenos Aires (Azucena Maizani)).

Fuente: parabuenosaires.com

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Norma Aleandro volverá a ser María Callas en “Master Class”

La actriz argentina Norma Aleandro, que se prepara para volver a encarnar a la diva de la ópera María Callas en la obra “Master Class”, que le dio un gran éxito hace 15 años, no le motivan los halagos: solo aspira a ser “honesta” en el escenario.

“Es una obra que amé hacer y un personaje -el de María Callas- al que quiero y admiro mucho”, dijo Aleandro acerca de su reencuentro con un montaje que protagonizó por primera vez en 1996 y que se estrenará de nuevo el próximo 21 de marzo en Buenos Aires.
La interpretación que hizo Aleandro de la cantante de ópera de origen griego fue destacada entonces por el autor de “Master Class”, el estadounidense Terrence McNally, como la mejor.

La conversación con la actriz argentina, ampliamente reconocida en el ámbito cinematográfico por “La historia oficial” (1985) y “El hijo de la novia” (2001), se produjo en una finca a las afueras de Buenos Aires, en la que se presentó al elenco del nuevo montaje de “Master Class”, y los cantantes ofrecieron un pequeño recital.

Reconoció Aleandro que siempre tuvo “ganas de volver a hacer ‘Master Class’”, que considera una obra “de repertorio”, tanto para ella como para el director, Agustín Alezzo, también parte del montaje de 1996.

“Hay público que ya la vio y estaba esperando, y otros que la quieren ver por primera vez”, explicó Aleandro.

Para la actriz, el personaje de Callas es atrayente por su historia vital de “sacrificio” tanto por la música como en el ámbito amoroso.

“Es un ser de una pasión y un amor tan grande, tanto por su arte como por un hombre, que es capaz de dejar todo lo que había logrado”, dijo a Efe al describir a la soprano.

Aleandro encara esta vuelta al papel de la Callas sin pensar en lo que hizo anteriormente, sino buscando crear algo nuevo.

“Hay una manera de tocar Beethoven a una edad y a otra, o de interpretar ‘Tosca’, también será otra manera de interpretar como actriz a María Callas en este momento, después de años”, dijo.

“No tengo presiones respecto a lo que haya opinado sobre mí, los halagos no me motivan. Lo que me importa es lograr hacerlo honestamente bien en el escenario”, afirmó la actriz acerca de los elogios que suscitó su interpretación pasada de este papel.

Para Aleandro, que se encuentra rodando la versión argentina de la serie televisiva norteamericana “In Treatment” (“En tratamiento”), el valor del teatro es el de aportar “aprendizaje permanente”.

“El teatro no tiene trucos, tienes que crear algo todas las noches, pero nunca se sabe qué va a pasar”, añadió.

La actriz, que volvería “con ganas” a actuar en España y según dijo ha sido invitada a hacerlo, dijo que la situación que vive el país europeo, donde residió durante la dictadura militar argentina (1976-1983) y ha actuado en muchas ocasiones, es “muy difícil”.

“Aquí hemos entrado y salido muchas veces de estas depresiones económicas graves”, reconoció Aleandro, para después aportar una visión esperanzadora. “Lo que sí sé, y es lo que sabemos los argentinos, es que se sale. Se entra pero se sale”, añadió.

Aleandro también apreció los movimientos de protesta surgidos en España a partir del 15 de mayo de 2011. “Hay que tener esperanza, pero también hay que tener fuerza, y hacer lo que ustedes han hecho, yendo a sentarse y protestar”, explicó la actriz.

“Toda esa resolución popular que se vio en el mundo y que arrancaron ustedes fue muy importante. Es importante que sepan los que manejan los gobiernos que no están solos, sino que están vigilados”, reconoció Aleandro, que también comparó la situación con la vivida en Argentina en 2001 con el “corralito”.

“Es como si hubiera en el mundo una clase superior que se entienden entre ellos internacionalmente, que aciertan y desaciertan entre ellos”, declaró Aleandro, para volver a elogiar la actitud de protesta en España.

“Los españoles han tenido una actitud muy buena en la reacción, y creo que ello se verá reflejado en cómo van a salir. Es un país lleno de gente con talento, y también de fuerza y de vigor. Van a salir como lo hicimos nosotros”, finalizó Aleandro.

Fuente: espectador.com 

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Carne de Crítica cumple 10 años

Claudio Pazos, Francisco Pesqueira y Carlo Argento ahora hacen Mamarracho

Ya lo decía Aristóteles y luego la psicología gestáltica: el todo es mucho más que la suma de las partes. Esto es lo que explica sin tono solemne el grupo teatral Carne de Crítica. Y lo dice de modo unánime, sin someterlo a votación ni a la reflexión de la crítica. Lo dice porque lo siente en carne propia. Esas tres almas que se encuentran en Carlo Argento, Claudio Pazos y Francisco Pesqueira dieron a luz hace una década a una de las agrupaciones más irreverentes, versátiles y creativas de la escena nacional.

“Somos tan autogestivos que hacemos nuestro propio festejo”, dice Pazos, entre risas. La cita para compartir este cumpleaños será a partir de mañana. Son tantos los invitados que no quieren perderse la celebración que la fiesta se reanudará los siguientes lunes, en la que más invitados asistirán a Mamarracho , una nueva obra que define Argento como “un pastiche fiel a nosotros mismos”. “Quien ya nos vio va a encontrarse con escenas que elegimos y que quisimos volver a contar. Y quien no nos vio va a poder también disfrutar de un espectáculo, propiamente dicho, por su espectacularidad que salpica”, agrega Pesqueira.

Tan autogestiva es Carne de Crítica que en lugar de contratar un disc jockey presenta además un CD, Carne de Crítica, 10 años , que recopila una década de trabajo del trío, un álbum de recuerdos con las escenas de esas otras celebraciones rituales llamadas función. Este CD, con algunos monólogos y canciones seleccionados, cuenta con la dirección musical de Sergio Vainikoff.

Ya confirmaron su asistencia a Mamarracho veinticuatro personajes, vestidos por Mercedes Uría, interpretados por Claudio Pazos y Francisco Pesqueira, y dirigidos por Carlo Argento.

“Hagas lo que hagas serás criticado. Pues entonces haz lo que quieras. Todos somos carne de critica.” Este era el motor de tres actores que comenzaron a ensayar una obra cuando el país ardía, a fines de 2001, y estrenaron una pieza cuyo título hoy es además su nombre y apellido. Luego siguieron Dignos de lástima (2003), Correte que chorrea (2005), Lo frío y lo caliente (2006), Subió la carne (2008) y Carne sola (2010), por el que obtuvieron un ACE.

“El humor no es el resultado, sino el vehículo para contar algo muy profundo, y de ahí nació nuestro nombre, reflexionando sobre hechos de la realidad, siempre con una mirada muy aguda”, dice Pazos, quien conoció a Pesqueira en la escuela de Carlos Gandolfo. “Hicimos juntos una muestra de fin de año y me acuerdo de que Gandolfo se río mucho y nos marcó que continuáramos por esa línea. Por entonces quería hacer Hamlet , pero tomé ese consejo. Nosotros no venimos ni del clown, sino de un teatro llamado serio”, dice Pesqueira, quien además es cantante, y su talento lo ubicó como el swing (reemplazo de todos los personajes masculinos) de Los miserables . Argento y Pesqueira se conocían de haber trabajado en Los indios andaban cabreros . Y así se completó este equipo.

“A veces pareciera que estar en un grupo te diluyera, pero a nosotros nos potenció”, dice Argento. Y cada uno destaca los rasgos sobresalientes de cada uno de estos vértices: el niño encantador que se permite jugar, en Pesqueira; el perfeccionismo y humor, en Pazos, y “la perfección de ese violín Stradivarius”, en Argento. “Esto no es un matrimonio con un contrato preestablecido. Y eso es lo lindo de este grupo: siempre seguimos juntos, pero porque queremos y porque nos sentimos a gusto”, dice Pazos.

Carne de Crítica ha recorrido tantos escenarios del interior que ya ni recuerdan todos los puntos donde se presentaron. Y allí, entre vestuaristas que apuran a coser botones y el martilleo de los utileros, se preparan para ser los mejores anfitriones: “Para mí, este espacio y estos hombres son mi hogar”.

PARA AGENDAR

Mamarracho, 10 años de Carne de Crítica . Lunes, a las 21. En La Comedia (Rodríguez Peña 1062).

Fuente: La Nación

ENTRADAS CON DESCUENTO a través de Plateanet . Aprovechá el 2×1 para el Lunes 06 y Lunes 13 de Febrero!

 

Suarez & Machín, el diván, a escena

Estrenan La última sesión de Freud, una obra que sigue la tendencia de retratar la relación entre teatro y psicoanálisis

Cuenta Jorge Suárez que hace algunos días, luego de lavarse las manos, alzó la cabeza, miró al espejo y no reconoció al hombre que tenía enfrente. El reflejo le devolvía a un sujeto canoso de barba. Este es el aspecto que luce desde hace algunas semanas para interpretar al padre del psicoanálisis en La última sesión de Freud. Daniel Veronese dirige esta obra del norteamericano Mark St. Germain donde se propone un duelo de ideas entre dos mentes destacadas del pensamiento del siglo XX, exponentes de posturas aparentemente irreconciliables. Clive Staples Lewis, el autor de Las crónicas de Narnia , es el contrincante ideológico de Freud, interpretado por Luis Machín.

El bien y el mal, Dios y el Diablo, la fe y las instituciones eclesiásticas, la muerte y el placer, el poder y el sexo son -sólo por nombrar algunos- los temas que aborda esta historia. La última sesión de Freud , que debuta el sábado en el Multiteatro, está ambientada en Londres, horas antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, el día que C.S. Lewis acudió a visitar a Freud, indignado por la reseña que el austríaco había realizado sobre El progreso del peregrino (también conocida como El regreso del peregrino ).

Freud es un ícono del pensamiento occidental, incluso para aquellos que no hayan hecho terapia. Lewis luchó en la Gran Guerra antes de convertirse al cristianismo y obtener su cátedra en Oxford, en la que entabló una estrecha amistad con J.R.R. Tolkien. A su saga fantástica, hoy llevada al cine, se la ha interpretado como una alegoría a su concepción cristiana del universo. Un fragmento de su vida está retratado en Tierra de sombras , e interpretado por Anthony Hopkins, en la que se muestra la gran pasión que vivió con una mujer judía y divorciada (Debra Winger).

-¿Cómo se documentaron para interpretar a estos dos personajes que existieron en la vida real?

Jorge Suárez: -Antes que leer a Freud, a mí me gustaría decir que lo practico, me refiero a su legado, desde hace 19 años, con pausas, y con distintos especialistas. En el presente, estoy justamente en ese viaje hacia las profundidades de mi ser. Y de eso creo que se trata el psicoanálisis: de una conversación con uno mismo.

Luis Machí n: -Sabía que era el autor de Las crónicas de Narnia, pero desconocía que había escrito otras cosas. De todos modos, nunca jamás fue nuestra intención hacer ni una copia fiel ni de Freud ni de Lewis. Eso no es lo que vale en el teatro. En este caso, lo maravilloso es aquello que ocurre mientras se suceden esos dos discursos contrapuestos y la energía que de ellos se desprende. No conozco siquiera el rostro de Lewis en fotografía.

-¿Cuál es el sello propio que le imprimen a este duelo de discursos antagónicos?

L.M.: -En mi caso, no pienso que lo preponderante sólo está en lo que se dice. Un artista puede decir muy bien un texto, pero si no le agrega algo más, no vale la pena. Hay dos discursos interesantes y muy reveladores, pero si el cuerpo no está vibrando, no sirve. Quiero que el público pueda ver también materia, hombres atravesados por estas ideas. Quien venga a vernos va a ver a dos actores que se están sacando las tripas y los ojos en este intento.

Casualmente sobre otro personaje que se arrancó los ojos, Edipo, puso su lupa Freud, y apelando a la literatura y a otras disciplinas creó una arquitectura de pensamiento aún vigente en el mundo contemporáneo, y en especial en nuestro país, donde el psicoanálisis para algunos incluso responde interrogantes que no otorga la religión.

J.S.: -Hay mucha gente que se psicoanaliza en la Argentina, y entiendo que el 60 o el 70 por ciento que lo hace es creyente y se va a llevar una sorpresa porque realmente Freud estaba convencido de que Dios no existía. No soy católico practicante, pero sí tengo fe. Amo a las orquídeas y en esa perfección creo que hay algo divino. Lo mismo me pasó cuando conocí el glaciar Perito Moreno. Entonces, me dije: «Acá está la obra de Dios». En eso creo: en la naturaleza. Y en el amor [Laura Singh, la esposa de Suárez está a cargo del vestuario de esta puesta].

L.M.: -Yo fui creyente, pero luego de cosas que me pasaron y de ese modo particular de entender la vida que me dio el estudiar teatro, me fui alejando, cambié de opinión.

-Vos, Jorge, ya trabajaste en varias obras de Veronese ( Gorda El método Grönholm ), y vos, Luis, es la primera vez. ¿Cómo fue el trabajo que hicieron los tres?

L.M.: -Trabajé con las emociones que surgen del encuentro de dos discursos muy sólidos que se sostienen con mucha fuerza. Todos nos debatimos entre posiciones encontradas y buscamos respuestas que van mucho más allá la ciencia. Allí se despierta una enorme sensación de quiebre. Eso es algo que me interesó lograr.

J.S.: -A mí Daniel siempre me sorprende. Por un lado, me da una enorme paz. Y, por el otro, es como tirarse al vacío y no ver nunca el precipicio y caer. Y en la mitad del camino, ves que el paracaídas no se abre. Intentamos que las dos ideas se batan cuerpo a cuerpo..

PARA AGENDAR
La última sesión de Freud, con dirección de Daniel Veronese. Miércoles, jueves y domingos, a las 20.45; viernes, a las 21.30; sábados, a las 20.45 y a las 22.45. Multiteatro (Corrientes 1283).

Fuente: La Nación

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Un muchacho que se multiplica

Si hay un rostro que se repitió constantemente en los musicales de los últimos años es el de Adrián Scaramella. Actor, bailarín, cantante… siempre se destacó hasta en los papeles más pequeños. El resultado fue que el año pasado fue nominado como revelación al Premio ACE y tuvo tres nominaciones al Premio Hugo al Teatro Musical (del cual ganó uno, a la mejor interpretación en ensamble, por Boccato di cardinale). Es que sólo en la última temporada trabajó enBoccato… Sweeney Todd Judy.

Precisamente, la semana pasada Adrián Scaramella volvió a escena, como uno de los seis protagonistas de Judy, un homenaje a Judy Garland , music hall que se presenta en el Maipo Kabaret todos los martes. Con sólo veinticinco años, su presencia ya se hace notar en los escenarios porteños.

Dice que cuando era chico, en vez de jugar a la pelota o juntarse con sus amigos, prefería quedarse mirando documentales en la tele o leyendo. “En mi casa había de esos diccionarios con fotos y me encantaba leerlos; con eso me entretenía. Era muy freeky, claramente”, afirma. Y aunque no proviene de una familia de artistas, es fácil ver que el arte es parte de su vida. Vive en una casa añosa, con muebles antiguos que él mismo compraba desde su adolescencia para restaurarlos, pensando en el día en que viviría solo. En las paredes de su living, cuelgan unos cuadros que él mismo diseñó y que, en lugar de estar pintados con pasteles u óleos, están hechos con cintas de los ya olvidados casetes de música. Entre lo viejo y lo original, se mezclan muñecos de los personajes de Disney, que compró en un viaje a los parques de atracciones de Orlando donde, según sus propias palabras, volvió a ser “un chico de cuatro años”.

Estudió danza clásica, jazz, tap e hizo teatro. Su registro es tenor, “así agudito, como me escuchás”, se ríe. Hasta poco antes de terminar el secundario, el chico de Villa Bosch nunca había imaginado que su vida transcurriría en los escenarios.

La primera comedia musical que vio en su vida fue La Bella y la Bestia ; había ido con su madre a ver en vivo lo que ya había disfrutado en el cine y lo había maravillado. “Iba a ver la película de Disney”, cuenta.

Tiempo más tarde, no recuerda por qué, fue a ver Chicago ; tanto le gustó que con una vez no le bastó. “Fui dos veces, las dos al mismo lugar: fila uno asientos dos y cuatro; tengo los tickets guardados”, dice, entre risas, como sorprendido de sí mismo.

Cuando terminó el secundario, se inscribió en abogacía, junto con su mejor amiga. Pero, al mismo tiempo, se anotó en la escuela de Noemí Coelho y Rodolfo Olguín, en donde podía aprender comedia musical, danza, teatro, canto. “Mi amiga después me llamaba y me contaba que tomaban lista en la facultad durante meses y ella se reía porque yo no había aparecido nunca. Pero era abogacía o estudiar esto, y me lo tomé como una carrera porque estudiaba todos los días cinco o seis horas”, cuenta.

Podría decirse que su vocación se despertó con Chicago . “Estaba sentado ahí, y me dije: «No sé qué es, pero quiero hacer esto». Fue en 2001; ahí empecé a interesarme y a buscar qué era, y me anoté. Empecé a estudiar con Rodolfo Olguín, Elizabeth Chapeaurouge, Sebastián Masoni, Mirta Orrubalichi; son gente muy importante, genios, maestros literalmente”, afirma.

En seguida recuerda que, sentado en primera fila, podía sentir el perfume que usaban Sandra Guida y Rodolfo Valss cada vez que salían al escenario. Años después, la vida los unió y trabajaron juntos; Guida y Valss usaban el mismo perfume y él les contaba que ese olor le había quedado grabado en su memoria.

“Lo más loco de esta carrera es que, de repente, mucha gente que admiro mucho se cruza en mi camino trabajando. Me hago amigo de gente que jamás pensé que iba a conocer”, dice el intérprete, dejando entrever con sus palabras una enorme humildad.

Para él fue muy importante para su carrera el apoyo de sus padres, desde el principio. “Mi papá me dijo, literal: «Mientras que no te quedes durmiendo hasta las doce del mediodía, hacé lo que quieras». Lo que me quería decir era que me dedique a lo que quiera, pero que le ponga fuerza y lo logre. No es fácil que cualquier padre te pague clases de canto, de danza, de teatro; jamás tuve becas de nada, yo se lo agradezco. Ahora él y mi mamá están felices, porque ven los resultados. Ven que soy un pibe que trabaja, que me llevo bien con la gente, que sigo creciendo, y eso es lo que a mí también me hace sentir bien.”

Pasó por todo. Desde ser un “Susano” a trabajar en publicidades, participar en ficciones, cortometrajes e interpretar papeles en obras de texto y musicales. Mientras trabaja, sigue estudiando con los mejores. Entre sus muchos maestros se encuentran Julio Chávez, Valeria Grossi, Mirtha Arrua Lichi, Diego Bros… y sigue la lista.

Mientras hace Judy? se prepara para el estreno de Mamma Mía! en el Opera City, de cuyo elenco será parte. “Empecé a trabajar y nunca paré. Siempre estoy buscando mi lugar, tratando de crecer, de aprender”, asegura el actor, y se le iluminan los ojos.

PERFIL

Trabajos realizados

  • Teatro: Buenos Aires tap La flauta magica Pasion bohemia Ella Rent Eva Gata flora ,Caravan Pour la gallery La parka Sweeney Todd Boccato di cardinale El pasajero El burguEs gentilhombre Judy mamma mia!
  • Televisión: Frustrados en Baires Showmatch Susana Gimenez Casi angeles Bella y bestia Jake and Blake, Los unicos .

Fuente: La Nación

Entradas en venta en Plateanet

Dos viejos conocidos que vuelven a escena

Encarnan a una ex pareja en Vidas privadas

Miguel Angel Rodríguez le grita a Georgina Barbarossa que se apure. Sentado en un sillón blanco, desde el living de la escenografía de Vidas privadas , la actriz le responde que se está retocando el maquillaje en el camarín. Juntos se preparan para debutar en una comedia de Noël Coward, dirigidos por José María Muscari. El insiste y ella sube el tono de voz. “¿No parecemos marido y mujer de verdad?”, pregunta el actor.

No es la primera vez que trabajan juntos. Lo hicieron en el exitazo que fue Son amores , en TV, y en La vida debida , de Ismael “Paco” Hasse, en teatro. En esta obra que se estrena hoy, les darán vida a una mujer y un hombre que están divorciados desde hace cinco años. Vuelven a casarse, esta vez con parejas más jóvenes, y en la noche de su luna de miel en un lujoso hotel descubren que en la habitación contigua se aloja su ex.

“Es un Coward bien clásico, pero adaptado por Muscari, quien le dio al texto atemporalidad, loaggiornó , y creó una puesta con ritmo y vértigo. El escenario de esta sala es chico, pero suceden tantas cosas, que se desborda la acción”, dice Barbarossa. “Se nota la experiencia de Muscari. Es básicamente un director. Se dedica primero a la puesta. Durante diez días da lo mismo que sepas o no tus líneas. Después mueve sus piolines y da sus pinceladas, y ahí marca su estilo. Tiene los genes de un realizador de hace 40 años, cuando en realidad?”, explica Rodríguez hasta que la actriz lo interrumpe y empiezan a discutir y a intercambiar sus opiniones. Otra vez preguntan si no parecen que fuesen realmente un matrimonio.

También participan de esta obra dos íconos de la sensualidad: María Fernanda Callejón y Christian Sancho.

Escrita en la década del 30 del siglo XX, Broadway también tiene por estos días en cartel su versión de esta comedia, protagonizada por Kim Cattrall, la actriz que le dio vida a la salvaje Samantha en Sex and the City. Coward parece estar más vigente que nunca. Otra de sus piezas, Mix, dirigida por Santiago Doria, se presenta en el Multiteatro con Telma Biral, Nora Cárpena, Andrés Perciavalle, Linda Peretz y elenco.

LOCURAS DE AMOR

“El amor es el denominador común en la vida y en esta historia en particular se ve muy bien. Esta comedia les habla a todas las generaciones”, cuenta Barbarossa, quien dice que en su vida también ha cometido disparates, en nombre de la pasión, de los cuales no se arrepiente.

“Lo fantástico de esta obra es que pasa por todos los matices. Hay momentos donde los personajes discuten; otros muy intensos y románticos donde se encuentran. No quiero contar mucho, pero la gente se va a sorprender”, dice Rodríguez.

Este año también se podrá a ver a Barbarossa y a Rodríguez en la TV. Ella será Isabel (“una especie de Catita”) en Dulce amor, la nueva novela de Telefé, que comenzará el lunes próximo, a las 22.30, en la que interpretará a la mamá de Sebastián Estevanez. “Lo gracioso es que durante el día soy una mujer de medio pelo, me pongo ropa muy divertida, bien de barrio. Y de noche, vengo al teatro, y soy la glamourosa Amanda, en Saint-Tropez, y uso el vestuario que diseñó Pablo Battaglia”, cuenta la actriz. Rodríguez protagonizará Qitapenas, también por Telefé, con elenco por confirmar, pero se rumorea que Silvia Kutika, Natalia Lobo, María Concepción César y Jean-Pierre Noher serían de la partida. Esta ficción contará la historia de una familia que tras sufrir una debacle económica ingresa en un reality show, en el que además deberán cantar para obtener el premio mayor.

Para Barbarossa la química con Rodríguez es muy fuerte. “A veces, sobre el escenario me dirige con los ojos.” “Esta pareja rinde, garpa. Es un molde muy interesante el que armó Muscari con esta dupla. Creo que somos muy creíbles”, concluye Rodríguez..

PARA AGENDAR
Vidas privadas , de Nöel Coward, dirigida por José María Muscari. Miércoles, jueves y domingos, a las 21; los sábados, a las 20.30 y 22.30. Teatro Picadilly, Corrientes 1525.

Fuente: La Nación

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Betiana Blum recorre la Costa con “Más liviano que el aire”

La actriz Betiana Blum disfruta de un presente en plenitud que mientras la hace permanecer en TV como parte del elenco de la tira “Herederos de una venganza” (El Trece) la tiene haciendo teatro por la costa argentina con “Más liviano que el aire”, una obra a la que definió como “fascinante” porque, sostuvo, “revela al ser humano en dimensiones inimaginables”

Metida en la piel de Lita, una mujer de 93 años que asume en la pieza, Blum señaló en una entrevista con Télam que “podría pensarse que en la vejez uno está sentado esperando la muerte, pero en verdad el ser humano tiene una necesidad de amor que nunca cesa”.

El amor es el sentimiento que acaba aflorando en el libro de Federico Jeanmaire (ganador del Premio Clarín de novela 2009) y que en la versión teatral dirigida por Gabriela Izcovich exhibe como la anciana mantiene encerrado en al baño de su casa a un joven ladrón (Eduardo Carrera) que quiso asaltarla.

Mientras resiste los embates del muchacho que quiere liberarse y decide no llamar a la policía, Lita le avisa a quien quiso robarle que lo dejará salir cuando termine de contarle la historia de Delita, su madre muerta casi un siglo atrás.

“En `Más liviano que el aire` se produce una confrontación que pasa de la simple anécdota de un asalto entre una vieja acomodada pero sola y un adolescente de una villa porque los dos, por distintos motivos, están caídos de la sociedad”, subrayó.

Con la misma pasión que disimula el trajinar de una propuesta que desde mediados del año último hizo una exitosa temporada en el Regina/TSU porteño, insistió que la obra “combina el humor negro, la comicidad y momentos conmovedores para referirse a todo lo que la sociedad va descartando”.

Haciendo un balance de estos meses de “Más liviano que el aire”, comentó que “me metí en un brete pero no quise hacer un unipersonal porque esto es teatro y aunque muchas de las cosas que ocurren están generadas en la cabeza de la mujer, de ningún modo quería que la gente pensara que esta vieja está loca e imagina la situación por la que atraviesa”.

La pieza se ofrece todos los miércoles a las 21.30 en la sala Roberto J. Payró del Auditórium de Mar del Plata, pero además gira por otros teatros de la costa atlántica de acuerdo a una grilla que mañana la tendrá en Villa Gesell, el viernes 20 en San Bernardo, el sábado 21 en Miramar, el domingo 22 en Santa Teresita, el viernes 27 en Monte Hermoso y el sábado 28 en Necochea.

“Me interesó mucho poder hacer estas presentaciones porque se trata de una gran obra y porque me permite encontrarme con público del todo el país que por ahí me sigue por la televisión y que puede venir al teatro pagando entradas más accesibles que las de la Capital”, aseguró.

La legión de seguidores de la trayectoria de Blum seguramente tiene que ver con una incesante labor televisiva que en los últimos años la integró a títulos emblema de Pol-ka y El Trece como “Valientes”, “Para vestir santos” y, actualmente, “Herederos de una venganza”.

Consultada acerca del presente del culebrón encabezado por Luciano Castro y Romina Gaetani, donde asume a Delicias Leiva, madre de Mercedes (Gaetani), resaltó que “la verdad es que el guión (de Leandro Calderone) es una maravilla porque se las ingenia para seguir dando vueltas de tuerca y creando situaciones interesantes”.

Además de la historia, Betiana destacó que el suceso de la telenovela que debutó el 17 de enero de 2011 y fue uno de los bastiones del gran año de la emisora en materia de rating, contó con “un equipo de actores muy bien equilibrado por Pol-ka”.

Marcela Kloosterboer, Federico Amador, Benjamín Vicuña, Leonor Benedetto, Rodolfo Ranni y Antonio Grimau son parte del staff central del programa que terminó de grabarse el 30 de noviembre y tendrá aire hasta mediados de febrero.

Vislumbrando el año profesional en curso, la actriz nacida en la localidad chaqueña de Charata, deslizó que “tengo propuestas muy buenas para teatro y televisión, pero voy paso a paso en la vida”.

“Yo hago un paso y después veo porque eso es lo más humano y lo más real. Hacer planes, en cambio, es lo más fácil para después frustrarse”, formuló quien en cine brilló en títulos como “Esperando la carroza”, “Bajo bandera” y “El mar de Lucas”.

La también protagonista de sucesos teatrales de la talla de “El hombre inesperado”, “Camino negro”, “Filomena Marturano”, “Un guapo del 900” y “Porteñas”, avisó que “lo que me encanta hacer es la comedia dramática”.

“A mí me enganchan las propuestas -confesó- que tienen la cuerda más amplia, algo más cercano a la vida que está llena tanto de lágrimas como de sonrisas”.

Fuente: Telam
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Polémica en escena

“Sálvame, el musical” Aborda el tema del aborto.

Un tema polémico (todavía sin resolución legal), en formato teatral. Es que la cuestión excluyente de Sálvame, el musical es si una mujer debe abortar o no, de acuerdo a determinadas circunstancias.
La protagonista, Soledad (¿nombre premonitorio?), queda embarazada de su novio, Javier, con quien no convive. La joven, a los 18 años, se siente desprotegida, precisamente en soledad, porque nadie le acerca la solución ideal a un problema del que no supo protegerse (entiéndase, el uso de preservativos). En medio de una pelea, el muchacho le tira una frase-cachetazo al decirle que no la quiere a ella ni al bebé que está en camino. Su amiga Irene es partidaria de que aborte; los padres (Herminia y Damián), le recriminan la situación por la que está atravesando; su tía Ana es la única que la comprende, e inclusive le ofrece cuidar a la criatura como si fuera su propio hijo; un psicólogo la alienta a que tenga a su niño y le desliza la posibilidad de darlo en adopción.
Durante la visita a un médico, al que concurre con la frágil idea de abortar, sólo encuentra indiferencia de parte del profesional. Cero contención. Así las cosas, Soledad comprende que le quedan dos posibilidades extremas: ser considerada una prostituta o una madre soltera. Además, la acorrala el miedo al rechazo de sus compañeras de la escuela, de otros familiares y de otros amigos cuando se enteren de que está embarazada, un miedo que termina de desequilibrarla. Soledad está parada, sin matices intermedios, entre la vida y la muerte de un bebé inocente que espera su decisión final.
Escrita por Alfredo Lasarte hace más de una década, esta pieza no cedió actualidad porque aún hoy surge el dilema de aceptar el aborto por necesidad, o de rechazarlo por motivos éticos, de amor y religiosos. Mezclándose con las distintas escenas van ocupando espacio varias canciones, tomando posturas a favor o en contra. A pesar de que la obra se inscribe en el género musical no hay bailes, no son necesarios para ilustrar el relato.
En cuanto a la puesta, Enrique Joaquín Barros optó por lo austero, dejando el lugar principal a las palabras. En el elenco, Agustina Ferrari, Luciana Benítez Moreira, Roy Cifre, Luciana Dorfman, Gabriel Candia, y el mismo director, Barros, se manejan con pasión interpretativa.

Con la intención de brindar un espectáculo que haga pensar a la sociedad sobre algo que afecta a muchas mujeres, tal como lo sugiere la información previa, Sálvame, el musical despliega una apelación tanto a la solidaridad como a la moral.

Fuente: Clarín Espectáculos

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